Cinéma muet

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Le cinéma muet est un cinéma sans paroles, dont la bande son est inexistante — on parle alors de film silencieux — ou bien constituée de musique enregistrée sur la pellicule ou jouée en direct.

Du premier film des frères Lumière, en 1895, au Chanteur de jazz (Jazz Singer), en 1927, le cinéma fut majoritairement muet.

Lors de dialogues, les textes des acteurs étaient écrits sur des « cartons », qui apparaissaient la plupart du temps sur toute l'image, pendant ou après les avoir vu parler.

Cependant, très tôt, des essais de sonorisation furent tentés. D'abord par l'enregistrement du son sur un support séparé, rouleaux de cire, disque, ou seconde pellicule impressionnée par un procédé photoélectrique. Mais chaque fois, la difficulté majeure était la synchronisation avec l'image et l'amplification encore balbutiante. Le procédé qui mit fin à ces tâtonnements fut l'enregistrement optique du son directement sur le film lui-même.

Architecture futuriste et effets visuels tirés du film Metropolis de Fritz Lang, production de l'Allemagne de Weimar en 1927 ; le film est anticipateur de l'avènement des mégapoles : au fond, dans la brume se dessinent les contours de la Tour de Babel.
Architecture futuriste et effets visuels tirés du film Metropolis de Fritz Lang, production de l'Allemagne de Weimar en 1927 ; le film est anticipateur de l'avènement des mégapoles : au fond, dans la brume se dessinent les contours de la Tour de Babel.

Sommaire

[modifier] L'histoire du cinéma muet

[modifier] L'invention du cinématographe

Vers le milieu du XIXe siècle, certains chercheurs s'intéressent à la décomposition du mouvement. Ils s'inspireront de jouets qui donnent, par la succession de dessins mobiles, une illusion de mouvement.

Dès 1863, les progrès de la photographie permettent de faire des instantanés. Après les travaux de l'Américain Eadweard Muybridge sur la décomposition du mouvement, le Français Étienne-Jules Marey met au point en 1888 le chrono photographe, ancêtre de la caméra, qui capte plusieurs images par seconde.

Thomas Edison invente le kinétoscope, armoire dans laquelle un spectateur peut suivre le spectacle enregistré, et en 1895, les frères Lumière réalisent le premier appareil de projection capable d'assurer de manière satisfaisante la prise de vue comme la projection, le cinématographe, qui fera d'eux, après Edison, les pères du cinéma.

[modifier] Les débuts du cinéma muet

Le 28 décembre 1895, à Paris, dans le sous-sol du Salon indien, est effectuée la première projection publique du cinématographe. Le public assiste à la projection de dix films très courts (17 mètres de longueur), dont la Sortie de l'usine Lumière à Lyon (le premier film au monde), et le Jardinier (plus tard renommé l'Arroseur arrosé).

Pendant une dizaine d'années, les vues Lumières sont couronnées de succès et imitées partout dans le monde. En France, en Amérique, en Angleterre, en Allemagne, en Italie et ailleurs, bricoleurs et esprits fantasques se mettent à tourner des milliers de petits films, les projetant avec les moyens du bord dans les cafés ou les baraques foraines. Parmi eux se détache Alice Guy, pionnière avec La Fée aux choux en 1896, premier d'une longue liste de longs-métrages.

Edison filme des numéros de cirque pour son kinétoscope, mais ses mises en scène ne seront pas remarquées. Georges Méliès sera le premier à intégrer avec succès la scénographie du music-hall et du théâtre de variétés à la technique cinématographique. Son Voyage dans la Lune (1902) connaîtra un succès mondial.

[modifier] L'expansion du cinéma

De 1905 à 1910, le cinéma cesse d'être un artisanat improvisé et devient une industrie. En France, les frères Pathé et Léon Gaumont produisent en série de petits films comiques, avec des acteurs comme Rigadin, Boireau et le déjà prometteur Léonce Perret.

Le premier grand acteur comique, Max Linder (Max et sa belle, 1910), qui sera le modèle de Charlie Chaplin, sort de leur école.

En Amérique, Thomas Edison, qui veut imposer son matériel et ses standards techniques, s'oppose aux tentatives de production indépendante, provoquant une véritable « guerre des brevets » qui entravera la production, mais favorisera également la création de compagnies indépendantes (par exemple : IMP de Carl Laemmle) d'où sortiront certaines des futures « majors » de Hollywood (la Universal de Laemmle).

Ainsi, dès 1908, se développent la Vitagraph, qui lance Florence Turner, et la Biograph, où débutent David Griffith (les Aventures de Dolly, 1908) et Mack Sennett.

Des firmes commencent à s'installer à Hollywood, qui se développeront très vite pendant 14-18, au détriment du cinéma européen.

[modifier] Le septième art

Dès 1908, le cinéma cesse d'être une activité strictement commerciale pour se revendiquer comme un art. Grâce aux tentatives géniales de personnes telles que Georges Méliès pour imposer cette tendance, le passage du documentaire à la fiction est assez rapide.

L'Assassinat du duc de Guise, produit en 1908 en France, va donner à Griffith l'envie d'ennoblir le mélodrame (le Remords de l'alcoolique, 1909) et de faire du cinéma le témoin moral de l'histoire (Naissance d'une nation, 1914, dont le triomphe marque le début des films longue durée.). Le langage cinématographique se dessine. Les films policiers à épisodes se multiplient, comme Fantômas (1913) de Louis Feuillade, virtuose du feuilleton populaire, ou Le Docteur Mabuse (1922) de Fritz Lang.

Yevgeni Bauer était le plus important cinéaste russe d'avant la révolution d'octobre. Les plus beaux sont des mélodrames morbides filmés dans des décors maniaques raffinés. Il utilisait déjà des plans-séquences relativement longs et des déplacements de caméra virtuoses. Le Danemark produira des films teintés d'un art dramatique local, comme ceux d'Urban Gad (l'Abîme, 1910).

Les Italiens s'inspirent de leur tradition spectaculaire pour mettre en scène des divas telles que Lydia Borelli ou Francesca Bertini, et réalisent des tableaux antiques (Les Derniers Jours de Pompéi, de Luigi Maggi (1908), et le prestigieux Cabiria de Giovanni Pastrone (1914)) qui seront vite imités par les Américains.

Max Linder est alors considéré comme étant une des personnalités les plus rémunérées du cinématographe sur l'échelle mondiale. Ce n'est qu'en 1914 que Charlie Chaplin débutera chez Mack Sennett. Max a alors plus de dix années de carrière. On comprend ainsi l'influence que cet artiste français a eu sur les premiers pas de Charlie au cinéma. Il suffit pour cela de relire la célèbre dédicace de Chaplin à Max qui n'hésite pas à le considérer comme son maître. N'oublions pas que le premier film de Chaplin : "Making a living" / "Pour gagner sa vie" (1914) ne nous dévoile pas encore le personnage de charlot, puisque ce dernier ne sera défini qu'au cours de l'année. Chaplin est dans ce film coiffé d'un "Haut-de-forme" et vêtu d'une redingote. Cela nous rappelle bien sûr ce "Dandy" à la française surnommé "L'homme au chapeau de soie" : notre ami Max Linder.

[modifier] L'âge d'or du muet

Après une période faste due à la guerre, entre 1914 et 1918, pendant laquelle le cinéma découvre de nouveaux domaines et affirme ses moyens d'expression comme dans Intolérance de D.W. Griffith ou Lest we forget du Français Léonce Perret et les premiers longs métrages de Chaplin, on entre dès 1919 dans une période d'épanouissement.

En Allemagne, le courant expressionniste lancé par le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene (1920) ou par De l'aube à minuit, de K.H. Martin (1920) aura une grande influence à l'étranger, mais il s'oppose aux tendances réalistes de la production nationale.

En France, les films s'intellectualisent, influencés par Louis Delluc, en privilégiant dans leur esthétique la plastique de l'image et le rythme, et en approfondissant la psychologie des personnages, surtout chez Germaine Dulac et Jean Epstein (l'Auberge rouge, 1923). Ce courant sera nommé impressionniste, pour l'opposer à l'expressionnisme allemand. Aussi Koenigsmark réalisé par Léonce Perret en 1923 restera un film marquant de cette époque.

En Union soviétique, les réalisateurs, en majorité favorables à l'idéologie des bolcheviks, souhaitent promouvoir un cinéma révolutionnaire, qui, à travers leurs recherches sur le montage, place l'individu comme élément moteur d'une grande histoire collective, Le Cuirassé Potemkine, de S.M. Eisenstein (1925). Cette "révolution" du montage est précurseur de la "révolution" surréaliste qui gagnera l'Europe avec des films comme (Un chien andalou de Luis Bunuel (1928)ou Zéro de conduite de Jean Vigo, (1932). Les surréalistes veulent abolir les limites de la narration.

Aux États-Unis, Hollywood devient la capitale du cinéma, et attire les acteurs et réalisateurs les plus grands, comme Stroheim et Sternberg d'Autriche, Lubitsch d'Allemagne, ou Mauritz Stiller de Suède. Les grands réalisateurs américains sont D.W. Griffith, Cecil B. DeMille, et King Vidor, qui réalisera la Grande Parade en 1925 et la Foule en 1928.

Le système hollywoodien, fondé sur les hiérarchies budgétaires, le cloisonnement en genre et surtout le culte de la star, le star-system, qui est tout puissant dès 1918, assurera son triomphe grâce à Mack Sennett, auteur du cinéma burlesque, avec des acteurs tels que Charlie Chaplin, Buster Keaton ou Harold Lloyd.

La révolution du cinéma parlant laisse Charlie Chaplin perplexe, non pas parce qu'il est devenu une icône du cinéma muet, cette considération ne vaut pas encore, mais parce que les fondements de son jeu humoristique du personnage de vagabond Charlot proviennent de gags visuels suivis de situations poétiques. Le son est introduit sous forme d'effets dans Les Lumières de la ville (1931) ; en 1936 dans Les Temps modernes, une scène de danse improvisée dans un show très étonnant fait apparaître des paroles inintelligibles prononcées sur l'air de musique, comme si son personnage apprenait à parler ; enfin, outre une frappante ressemblance physique, le discours vibrant du Dictateur à la fin du film sorti en 1940 immortalise la voix de l'acteur dans un appel vibrant au pacifisme et à la réconciliation des peuples, espoir cinglant jeté à la face de la réalité de cette décennie.
La révolution du cinéma parlant laisse Charlie Chaplin perplexe, non pas parce qu'il est devenu une icône du cinéma muet, cette considération ne vaut pas encore, mais parce que les fondements de son jeu humoristique du personnage de vagabond Charlot proviennent de gags visuels suivis de situations poétiques. Le son est introduit sous forme d'effets dans Les Lumières de la ville (1931) ; en 1936 dans Les Temps modernes, une scène de danse improvisée dans un show très étonnant fait apparaître des paroles inintelligibles prononcées sur l'air de musique, comme si son personnage apprenait à parler ; enfin, outre une frappante ressemblance physique, le discours vibrant du Dictateur à la fin du film sorti en 1940 immortalise la voix de l'acteur dans un appel vibrant au pacifisme et à la réconciliation des peuples, espoir cinglant jeté à la face de la réalité de cette décennie.

[modifier] L'arrivée du parlant

Même si certains réalisateurs comme Léonce Perret en France avait déjà eu l'idée d'accompagner un film de musique, c'est la firme des frères Warner qui se lancera la première dans le film parlant, avec Don Juan (1926) où l'on a simplement ajouté une musique à l'image, puis avec le Chanteur de jazz (1927), véritablement parlant.

Ces deux films d'Alan Crosland rapportent succès et bénéfice, assurant la suprématie du cinéma américain, et dévaluent radicalement les films muets jusqu'alors admirés.

L'arrivée du parlant s'avérera, malheureusement, fatale pour les acteurs muets, à l'exception de certains comme Chaplin, Laurel et Hardy et les Marx Brothers.

[modifier] Le cinéma muet après l'invention du parlant

En 1976, Mel Brooks réalise La Dernière folie de Mel Brooks, un long-métrage en couleur mais presque entièrement muet, la seule réplique "audible" étant "non", un "non" prononcé par le mime Marceau, lequel n'apparaît dans le film que pour cette réplique.

[modifier] Les principaux comédiens du cinéma muet

[modifier] Les principaux réalisateurs du cinéma muet

[modifier] Les principaux films du cinéma muet

(classement par ordre alphabétique des titres sans tenir compte article défini)

[modifier] Voir aussi

[modifier] Bibliographie

  • Sadoul Georges, Histoire générale du cinéma, Paris, Denoël, 1973-1975 : tome 1, L’Invention du cinéma, 1832-1897 ; tome 2, Les Pionniers du cinéma, 1897-1909 ; tomes 3 et 4, Le Cinéma devient un art, 1909-1920 ; t. 5 et 6 : L’Art muet, 1919-1929.
  • Burch Noël, La Lucarne de l’infini. Naissance du langage cinématographique, Paris, Nathan Université, 1991. Réédition : L’Harmattan, 2007, ISBN : 978-2296043268.
  • Gili J. A., Lagny M., Marie M., Pinel V. (dir.), Les vingt premières années du cinéma français, Paris, Presses de la Sorbonne nouvelle, 1995, ISBN : 978-2878540956.
  • Albera François, Gili Jean A. (dir.), Dictionnaire du cinéma français des années vingt, Paris, AFRHC, 1895, n° 33, juin 2001, ISBN :978-2913758063.
  • Michel Marie, Le Cinéma muet, Paris, Cahiers du Cinéma - Editions de l'Etoile, Les petits Cahiers, 2005, ISBN :9782866424398.
  • Daniel Banda et José Moure, Le cinéma : naissance d'un art. 1895-1920, Paris, Flammarion, Champs, 2008, 534 p., ISBN : 978-2081210110.

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